El todo es más que la suma de las partes

Max Estrella is delighted to present the work of Leyla Cárdenas, Inma Femenía, and Hisae Ikenaga together in a group show titled The whole is greater than the sum of the parts. The pieces selected are mainly three-dimensional, and reflect on the relationship between art’s materiality and the perception of it by the viewer.

 The artwork exhibited is theoretically grounded on Robert Morris’ writings titled Notes on Sculpture and Anti Form, which were published in ArtForum between 1966 and 1969. Applied in these articles, psychoanalysis and humanist Gestalt postulates alongside the term Anti-Form serve to draw a train of thought in this show. As academic foundations, they showcase materials as bridges to the process of conception and production of the work. They are capable of facilitating an entire perception of the creative process. Heterogeneity or indetermination of the parts is not an obstacle to perceive the art piece as a whole. Shared elements in Cárdenas, Femenía, and Ikenaga’s practice are the appropriation of objects, which had a prior functionality, as well as the effect of time on the phase of creation and on materials. These parameters provide the keys for an immediate, unitary, and free experience of perception.

Leyla Cárdenas presents two three-dimensional installations titled Mutual Dissolution and Under Other Conditions. They are exceptional representatives of Cárdenas’ discursive priorities regarding time and memory. The silk polyester fiber serves as a printing medium for images of abandoned human constructions, or cuts of terrain in quarries, to be unraveled afterwards.

The terrain strata, as well as a forgotten edification, signify a tangible world impacted by time. Time materializes in the process of production of the work, when Cárdenas undoes the fabric and stages its impact on matter. Fiber is then exposed to gravity, which reinforces the idea of an ephemeral reality. Her video titled Interpretation of deep time is also part of the exhibition. “This world with all of its details has been elaborated and annihilated and will be elaborated and annihilated indefinitely”. Here Borges quotes Hume, and helps the artist underpin the argument of the transitory quality of everything that is subject to the passing of time.

Part of Inma Femenía’s recent exhibition at Bombas Gens (Valencia), the installation titled Hold perfectly portrays Morris’ definition of Anti-Form. Femenía appropriates the shape of the plastic used by farmers in Almàserra to cover their crops, creating a PVC sculpture arranged in similar terms as when it is stored. Carrying the memory of wear and tear over time in its original functionality, materiality is presented as malleable and subject to the force of gravity. More than in any other place, it is here where time inhabits, thus incorporating indetermination and autonomy in the creative process.

Freedom from preconceived enduring forms and orders for things, grants an ephemeral component to the piece. Subtle nuances are multiple, and, going unnoticed, make the work a new version every time it is installed. Time factor thus is incorporated to the structure of the piece and ensures the spectator independence to experience perception. This ephemeral condition links the work with the artist’s discourse on the digital image. Femenía states that despite its immateriality, it is exposed to the erosion of overuse and, therefore, due to the passing of time. Specifically, Hold symbolizes the containers where we accumulate vast quantities of digital files and information with no clear or planned purpose.

Appropriation for Hisae Ikenaga is an opportunity to imagine a new possible functionality for certain everyday objects. She doesn’t necessarily give them a new use. It may be a sensation. The latter defines a type of perception that is not fit to a recognizable reality and that connects the spectator with materiality and the creation process of the work.

Ikenaga presents various pieces of her series Subtle Oblivion, Only Wood, Collages, and Fossils-Vases. In the first, the artist uses segments of tubular metal, laminated wood and everyday objects that appear as surprising details, as a subtle oblivion. The objects are related to installing art, exhibitions, and art collecting. For the second, the artist appropriates pages of design and architecture magazines that feature interior spaces. These are intervened cutting out all of the elements that are not made of wood, resulting in a composition where this is the only visible material. The Collages gravitate around the same discourse. Here she appropriates images of metal tubular segments. Finally, the sculptures from Fossils-Vases series represent everyday ceramic objects turned into fossils. With a human origin, these archaeological findings are impossible since not enough time has passed for physical-chemical processes to have an effect. Resulting materials from technical industrial processes and time are protagonists once again.

It is the memory of the items appropriated by Ikenaga that serves as facilitator for a reflection on the futile and transitory nature of everyday objects’ meanings and uses. The passing of time and its affection to mater is therefore the determining variable in the spectator’s experience of perception.

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Max Estrella tiene el placer de presentar la exposición colectiva titulada El todo es más que la suma de las partes, con la obra de las artistas Leyla Cárdenas, Inma Femenía e Hisae Ikenaga. Esta es una muestra mayoritariamente de obra tridimensional, en la que se propone una reflexión acerca de la relación entre la materialidad de la obra de arte y el ejercicio de percepción de la misma por parte del espectador.

El acercamiento a la práctica de las tres artistas se fundamenta en los textos de Robert Morris titulados Notes on Sculpture y Anti Form, publicados en ArtForum entre 1966 y 1969. Incluidos en ellos, los postulados de la corriente psicoanalítica y humanista Gestalt, junto con el concepto de Anti-forma, sirven para trazar una línea de conexión argumental en esta exposición. Estos permiten presentar los materiales empleados por las artistas como puentes al proceso de concepción y realización de la obra, y capaces de facilitar una percepción íntegra del desarrollo creativo. La heterogeneidad o indeterminación de las partes no es un obstáculo para alcanzar una sensación de la obra como un todo. Se identifican como elementos comunes al trabajo de Cárdenas, Femenía e Ikenaga, la apropiación de objetos con una funcionalidad previa, así como el efecto del tiempo en la fase de creación y en los mismos materiales. Estos son los que dan las claves para una experiencia de percepción inmediata, unitaria y libre.

Leyla Cárdenas presenta las instalaciones tridimensionales tituladas Mutual Dissolution y Under Other Conditions. Ambas son excepcionales representantes de las prioridades discursivas de la artista colombiana, en torno al tiempo y la memoria. La fibra de seda de poliéster sirve como medio de impresión de imágenes de construcciones humanas abandonadas o de cortes del terreno en canteras, para posteriormente ser deshilachada.

Los estratos del terreno, así como una edificación olvidada, vienen a significar un mundo tangible afecto por el tiempo. Dicho tiempo queda materializado en el mismo proceso de realización de la obra cuando Cárdenas deshila el tejido, y escenifica su impacto en la materia. La fibra queda entonces sujeta a la gravedad, reforzando la idea de una realidad efímera. Su vídeo titulado Interpretación del tiempo profundo también es parte de la exposición. “Este mundo con todos sus detalles ha sido elaborado y aniquilado, y será elaborado y aniquilado: infinitamente”, asociado por la artista a este texto de Borges citando a Hume, con él apuntala el argumento del carácter transitorio de todo aquello susceptible al efecto del paso del tiempo.

Habiendo sido parte de la reciente exposición de Inma Femenía en Bombas Gens, la instalación Hold viene a escenificar la definición de Morris de Anti-Forma a la perfección. La artista valenciana se apropia de la forma del plástico con el que agricultores de Almàssera cubren sus cultivos, para crear una escultura de PVC dispuesta en términos similares a como queda almacenada dicha cobertura en los huertos. Provista de la memoria del desgaste por efecto del tiempo en su funcionalidad original, presenta una materialidad notablemente maleable y expuesta a la fuerza de la gravedad. Más que en ningún otro lugar es aquí donde habita la variable temporal, incorporando así indeterminación y autonomía en el proceso creativo.

La libertad de la pieza respecto a un resultado final sujeto a una especificidad formal determinada con anterioridad, introduce un componente efímero a la obra de arte. Múltiples son los leves matices que pasando desapercibidos harán de la obra una versión nueva cada vez que se realice. El factor tiempo queda así incorporado a la estructura misma de la pieza y garantiza al espectador independencia para simplemente experimentar la percepción de la misma. Este carácter efímero vincula la obra con el discurso de la artista valenciana en torno a la imagen digital, que aun siendo inmaterial, está expuesta al desgaste por el sobreuso y por tanto al paso del tiempo. De manera específica, Hold simboliza los contenedores en los que estamos acumulando cantidades ingentes de archivos e información sin saber con qué propósito.

La apropiación para Hisae Ikenaga es una oportunidad para imaginar una nueva posible funcionalidad de una serie de objetos cotidianos, que no necesariamente tiene que traducirse en un uso, pudiendo ser una sensación. Esto último define un tipo de percepción que no se ajusta a una realidad reconocible y que conecta al espectador con la materialidad y el proceso de creación de la obra.

Ikenaga presenta en esta exposición piezas de las series Sutil Olvido, Only Wood, Collages y Fósiles-Vasija. En la primera hace uso de trozos de metal tubular, madera laminada y objetos cotidianos que aparecen como detalles sorpresivos, a modo de sutil olvido, todos ellos relacionados con el montaje, la exhibición y el coleccionismo de arte. Para la segunda, la artista se apropia de páginas de revistas de diseño y arquitectura con imágenes de espacios interiores. Estas son intervenidas recortando todos los elementos que no están hechos de madera, resultando así una composición en la que este es el único material visible. Los Collages pivotan sobre este mismo eje discursivo, apropiándose de imágenes de segmentos de metal tubular para crear las composiciones. Finalmente las esculturas de Fósiles-Vasija representan objetos cotidianos de cerámica convertidos en fósiles. Siendo de origen humano, estos hallazgos arqueológicos son imposibles por no haber pasado suficiente tiempo para que el proceso físico-químico tenga efecto. Materiales resultantes de procesos técnicos industriales y el tiempo son de nuevo protagonistas.

La memoria de los objetos de los que se apropia Ikenaga, sirve de facilitador para una reflexión sobre lo fútil y transitorio de los significados y uso de los objetos cotidianos. El paso del tiempo y su afección a la materia es por tanto la variable determinante en la experiencia de percepción del espectador.

Gregorio Cámara